miércoles, 25 de abril de 2018

Cartas sobre la danza y los ballets (Les Lettres sur la danse et sur les ballets)


Es una obra fundamental sobre la danza escrita por el bailarín y profesor de ballet francés Jean-Georges Noverre considerado el creador del ballet moderno. El día de su nacimiento, el 29 de abril, se convirtió en el Día Internacional de la Danza. Escrito en Londres en 1756 y publicada por primera vez 1760. Noverre desarrolla su concepción del ballet  y repasa las cualidades y defectos de los principales bailarines, coreógrafos y maestros de ballet de su tiempo.

La obra consta de quince cartas que van precedidas de una introducción histórica. De la mano del maestro de baile, avanza el lector por el mundo de la danza del siglo XVIII Noverre explora nuevas posibilidades expresivas y el debate sobre las formas teatrales no perdona al mundo de la danza. Noverre está completamente involucrado en este debate y aborda todos los aspectos de la danza de su tiempo, incluso abordando severas críticas en la Ópera de París, que considera conformista y polvorienta. Transcurridos más de dos siglos desde su redacción y primera publicación, siguen conservando su actualidad, su tono rebelde y rupturista. Racionales y vivaces, arrastran al lector, al que Noverre sabe convertir en su interlocutor, y generan dudas sobre las actuales formas de la danza, estimulando una vez más a la creación. Realmente, ¿sabemos con certeza si la danza debe ser un arte compuesto de gestos ortodoxos y abstractos, o si es la expresión lo que debe dominar en la gestualidad corporal?.

Insistiendo en la búsqueda de una cohesión que vincule todos los elementos del ballet, Noverre defiende la necesidad de conmover al espectador mediante una pantomima expresiva, inspirada en una obra de David Garrick ( fue un actor y dramaturgo británico. Está considerado como una de las principales figuras del teatro inglés del siglo XVIII. )que había visto en Londres . El interés de una obra se debe esencialmente a la diversidad de las pasiones que se expresan allí, y es lógico que implore la eliminación de las máscaras en los ballets, lo que permite al espectador "leer" las expresiones de los bailarines.

El tratado de Noverre sobre danza y teatro expresaba sus teorías estéticas sobre la producción de ballets y su método de enseñanza. Comenzó su investigación para sus ensayos en Drury Lane , Londres, donde coreografió para su propia compañía de bailarines en el Teatro Real bajo la dirección de David Garrick. Fue en la biblioteca de David Garrick que Noverre leyó literatura francesa moderna y antiguos tratados latinos sobre pantomima. Noverre se inspiró en las pantomimas que creía que agitaban las emociones de la audiencia mediante el uso del movimiento expresivo. Él proclamó en su texto que el ballet debería desarrollarse a través del movimiento dramático y el movimiento debería expresar la relación entre los personajes. Noverre nombró este tipo de ballet, ballet de acción o ballet de pantomima. De 1757 a 1760, produjo trece obras nuevas con el compositor Francois Granier en la Ópera de Lyon. Sus ballets de pantomima, más ligeros y coloridos tuvieron un gran éxito. 

El texto de Noverre exigía el fin de las tradiciones represivas propias del Ballet de la Ópera de París, tales como trajes estereotipados y engorrosos, y estilos musicales y coreografías anticuadas. Noverre también discutió los métodos para entrenar a los bailarines, como alentar a un estudiante a sacar provecho de sus propios talentos. La mayoría de las críticas de Noverre a la danza en su libro se dirigieron hacia el Ballet de la Ópera de París porque consideraba creaba ballets que eran un evento aislado dentro de la Ópera que carecía de una conexión significativa con el tema principal de la Ópera. Criticó el uso de máscaras porque restringía al bailarín a mostrar expresiones faciales que pudieran dar sentido a sus personajes. Noverre dedicó la totalidad de su novena carta al tema de las máscaras y escribió: "Destruye las máscaras" y "argumentó", ganaremos un alma y seremos los mejores bailarines del mundo ".

En cuanto a la formación de los bailarines, enfatizó que la corrección en la técnica de la danza según lo establecido por Pierre Beauchamp y otros debe llevarse a cabo con sensibilidad a la anatomía del individuo. De primordial preocupación, la consideración pedagógica de la personalidad y el estilo del bailarín es un requisito previo para el desarrollo artístico.  Noverre enfatizó que, dentro de un contexto dramático, la validez y la sinceridad de la expresión gestual son de la mayor importancia en la creación de un ballet. Pidió el desarrollo lógico de las tramas estas deberían integrarse temáticamente con el movimiento. Además, todos los solos superfluos y las técnicas de baile irrelevantes deben omitirse del ballet. Insistió en que la música se adecuara al desarrollo dramático de la trama. Insistió en que los disfraces, la decoración y la iluminación sean compatibles con la introducción, la trama y el clímax de cada acto dentro del ballet y con la desaparición de las máscaras en sus propios ballets, Noverre pronunció sus ideas avanzadas sobre maquillaje de escenario para bailarines que permitían ver la expresión del bailarín en lugar de esconderse detrás de una máscara.

Las cartas tuvieron un impacto duradero en la ideología del ballet ya que su texto ha sido impreso en casi todos los idiomas europeos y su nombre es uno de los más citados en la literatura de la danza. Muchas de sus teorías se han implementado hoy en las clases de baile y siguen siendo parte de la ideología de la danza actual. Por ejemplo, su idea de que un maestro debe alentar a los estudiantes a sacar provecho de sus propios talentos en lugar de imitar a un maestro o al estilo de un bailarín popular es una ideología actual de la danza. Noverre recibió críticas de muchos de sus prominentes contemporáneos del ballet, en París sus colegas de la danza le condenaron al ostracismo, aunque simultáneamente y de forma no reconocida le imitaban. Pero no sería justo elevar acusaciones, porque como el propio Noverre se plantea, quizá siempre vaya a ser perseguido el genio creador. Sus teorías han sobrevivido más que cualquiera de sus ballets, que no se han reproducido durante dos siglos.

Danzad, danzad, malditos (They Shoot Horses, Don't They?)


Es una película dramática estadounidense de 1969 dirigida por Sydney Pollack . El guión de James Poe y Robert E. Thompson está basado en la novela homónima de 1935 de Horace McCoy . Está protagonizada por Jane Fonda, Michael Sarrazin , Susannah York, Red Buttons, Bruce Dern, Bonnie Bedelia y Gig Young. La banda sonora de la película consiste en canciones de éxito de la época interpretadas por varios músicos de jazz, todos sin acreditar. La banda estaba dirigida por Bobby Hutcherson.
Jane Fonda y Sydney Pollack
Estados Unidos, en plena época de la Gran Depresión. En medio de un ambiente de terrible miseria, gentes desesperadas, de toda edad y condición, se apuntan a una maratón de baile con la esperanza de ganar el premio final de 1500 dólares de plata y encontrar, al menos, un sitio donde dormir y comer. Mientras los concursantes fuerzan los límites de su resistencia física y psíquica, una multitud morbosa se divierte contemplando su sufrimiento durante días.

A principios de la década de 1950, Norman Lloyd (es un actor, productor y director estadounidense con una carrera que abarca ocho décadas. Ha trabajado en todas las facetas importantes de la industria y en 2018 con 103 años de edad es el actor de Hollywood que más años a trabajado) y Charlie Chaplin buscaban un proyecto para colaborar, con Lloyd como director y Chaplin como productor. Lloyd compró los derechos de la novela de Horace McCoy y planeó elegir al hijo de Chaplin, Sydney  y a la recién llegada Marilyn Monroe en los papeles principales. Una vez que se completó el guion en 1952, Chaplin se llevó a su familia a lo que se suponía sería un breve viaje al Reino Unido, para el estreno en Londres de Candilejas (Limelight) . Durante este viaje, en parte porque Chaplin fue acusado de ser partidario comunista durante la era McCarthy, el jefe del FBI J. Edgar Hoover negoció con el Servicio de Inmigración y Naturalización para revocar su permiso de reingreso y el proyecto de la película fue cancelado. Cuando McCoy murió dieciséis años después los derechos del libro volvieron a sus herederos, que se negaron a renovar el trato con Lloyd, ya que no habían sabido nada de sus planes originales. 

Cuando Sydney Pollack firmó para dirigir la película queria  a Jane Fonda para el papel de Gloria. La actriz rehusó, porque pensó que el guion no era muy bueno, pero su esposo, Roger Vadim ( director cinematográfico, realizador, actor y escenógrafo francés) , quien veía similitudes entre el libro y las obras de los existencialistas franceses, la instó a reconsiderarlo. Al encontrarse con Pollack para discutir el guion, se sorprendió cuando él le pidió su opinión. Más tarde dijo: "Fue la primera vez que un director me pidió su opinión sobre cómo yo veia el personaje y la historia". Ella leyó el guion con ojos críticos, tomó notas sobre el personaje y luego observó: "Fue un momento germinal ... Esta fue la primera vez en mi vida como actriz en el que estaba trabajando en una película sobre temas sociales más amplios, en lugar de papeles contrarios a mi vida, me pareció relevante ". Preocupada por los problemas en su matrimonio en ese momento, recurrió a su angustia personal para ayudarla con su caracterización. 

La película destaca por utilizar la técnica de flashforwards (destellos del futuro), que no se usa comúnmente en las películas en aquella época . Se utilizan en los últimos 18 minutos de la película, que indican el destino de los protagonistas.  Sydney Pollack filmó algunas de las aterradoras secuencias de la competición, poniéndose un par de patines para entrar en acción con los frenéticos actores mientras bailaban.

La película se mostró al público en Rusia como una pieza de propaganda antiamericana sobre los males del capitalismo.


La película fue un éxito de taquilla, convirtiéndose en la 16ª película más taquillera de 1969. Se proyectó en el Festival de Cine de Cannes de 1970, pero no se inscribió en la competencia principal. La película ganó un Premio Oscar al mejor actor de reparto   y fue nominada en otras ocho categorías. La película actualmente tiene el récord de ser nominada a la mayoría de los Premios Oscar (nueve) sin recibir la nominación a la Mejor Película. Jane Fonda era la favorita para ganar el Oscar a la mejor actriz por su actuación en esta película, así que fue una sorpresa cuando perdió. Se especuló que el arresto de Fonda en la reserva militar de Fort Hood, así como los rumores sobre el uso de drogas y el adulterio le habían costado el premio. La película también ganó el Globo de Oro al mejor actor de reparto y seis nominaciones más, entre otros premios y nominaciones.